原文吃光光，關於錄音方面，之前看過一本書，覺得寫的滿有系統的 書名是鋼琴家 Gyorgy sandor 著的《On piano playing》(論鋼琴彈奏) 有一整個章節，專門在討論現場演奏與錄音等等事項 手邊剛好有這本書，簡單分享一下，歡迎版友討論~ 書中寫了很多，我只列一些和錄音相關的就好了。 錄音時需要標準化 現場演奏時，當下可能某個樂句你突然有個特殊的靈感，演奏時帶給觀眾或自己當下特殊 的體驗。可是變成錄音時，當你反覆聽個5次10次，無法預期的驚喜會被熟悉給取代， 很快的將會聽膩。某些無法預期的狀況以「相同」的方式發生時，甚至會變得無法忍受。 舉我自己的經驗，彈過 Liszt 的 La Campanella ，也聽過很多錄音版本。 但在我「第一次」聽到 Romuald Greiss 現場演出的錄音時 (網址如下)，突然有種驚喜 感，原來這個段落可以這樣彈，可以這樣停頓。 但這種特殊的感覺，在第2次、第3次聆聽時就消失了。 對這首曲子熟悉，但以前沒聽過這個錄音的人，聽聽看就知道我再說什麼了XD https://en.wikipedia.org/wiki/File:Liszt-La_Campanella-Greiss.ogg 歌手錄音也同樣道理，就像2008年蕭敬騰和楊宗緯對決新不了情，最後影響勝負的那個高 音不會在錄音室版本出現一樣。 https://www.youtube.com/watch?v=i0-7_KF5E-g 受限的音量範圍 錄音中的音量範圍相較於現場我們真實聽到的是有限的。 這就是為什麼我們會去音樂廳的其中一個原因。(但也許有人家裡有超高級音響設備) 關於停頓 現場演出時，樂曲段落間的短暫終止，可以透過手與手臂間的移動，姿勢表情等變化增強 視覺效果。錄音時，以相同姿勢彈奏則無法被看見，有些微妙的延長或終止將變的不合邏 輯。所以錄音時，每一個停頓，特別是段落間的停頓，應該被縮短。 錯音是禁忌 現場演出時，如果樂曲詮釋是令人滿足的，錯音或許還能忍受。 但是一個不尋常而優美地段落在被反覆聆聽之後，可以變成另人無法忍受。 標準 現場演出與錄音，書中也列了幾個標準 現場演出的標準，及優先次序 1. 盡可能自發而具創意的原創、個人、及具說服力的詮釋 2. 最具變化範圍的最佳觸鍵品質 3. 盡可能最寬廣範圍的音量 4. 依據音樂廳的音響而成比例的停頓 5. 音必須依據他們的重要性而被強調。伴奏的音群、段落，及添補音必須被小聲彈奏； 裝飾音及借用音必須被視為補充的內容。 6. 不可以有錯音，但小心不要以過度運音的方式彈奏每一個正確的音。 一個好錄音的標準，及優先次序 1. 不可以有錯音 2. 避免極弱或極強的彈奏 3. 避免過度的彈性速度 4. 相較於現場演奏，每一個停頓，特別是段落之間的停頓，應該被縮短 5. 每一個音應該被清楚地運音，即使在在伴奏或添補音中 6. 發音方式必須清晰 7. 層次大部分存在於音量中。個別的觸鍵被電子設備均質化了，因此它的價值變得極微薄 不知不覺打了好多字，書中有些內容是鋼琴家 Gyorgy sandor的經驗 也許不完全適用於每一首曲子、每一個人，但看完我覺得還是收穫滿大的。 歡迎討論~ 參考書籍： 葉乃菁（譯）（2009）。論鋼琴彈奏 On piano playing（原作者：Gyorgy sandor） 原笙國際有限公司。（原著出版年：1981） --

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