去聽了阿沁老師的創作講座 把心得簡單整理一下跟大家分享： 流行音樂九大專業領域 1. 作詞/曲人 2. 編曲人 台灣習慣與作曲分別？主旋律以外所添加的配器等等 3. 錄音、混音、後期製作 工程師屬性鑽研和聲學、頻率，也需要培養美感、了解歌手屬性 4. 製作人、配唱製作人 電影導演不需要什麼都會，但懂得招集人才：為何專業人要聽他的？因為他的概念吸引人 5. 專業樂手 Technical skills, session players具備武士道精神，如高齡鼓手維持每天健康運動 6. 文案企劃 唱片、演唱會的企劃，用文字來包裝（作詞人的拓展） 7. 演唱會製作團隊（燈光、舞台、視訊等） 8. 歌手 9. 經紀人 有了演藝人才，誰來引向市場 -- 十大創作習慣的培養 1) 善用零碎空隙時間 Q: 很多x, y, z不同屬性、不同風格、不同橋段：那麼要怎麼組合？如A段鋪陳、B段要放 什麼？有了積木，怎麼組合？ 用量變帶來質變：至少有更多彈藥能用、更多潛能 換個方式讓生活更新鮮，激發靈感 Q: 但要有criteria，看到事情才知道如何激發（如旅遊那麼多國家，但不知道古典音樂 曲式、樂器，也無法隨心所欲創作） 的確不需要一次把歌寫完：累積的素材夠多，能堆砌的形狀也更多（篩選組合又是一門學 問） 2) 長期作曲體質：靠靈感，也要靠刻意深耕，不能心情好才寫歌 面臨職場工作，經常面臨強迫在短時間有產出 Q: 大量生產，粗支濫造的風險？ 3) 作曲者聽覺習慣改變：用不同樂器來激發靈感 不要給自己太大壓力：吉他速彈要bpm 200才有資格創作 史前人類沒有樂器就懂創作了。 真正的創作：不要被器具限制（參照明和樂器，藍人） 同樣樂器也有不同操作方式 當然具備深厚樂理會更強（theory as most of time necessary, but not sufficient） 4) 好奇心：be foolish, be hungry to everything 音樂系學生每天都會練習樂器這很正常；創作人的練習來自觀察整個世界：教材、琴 譜、樂器以外事事皆學習對象：運動、料理、民俗節慶、建築等等 找到自己情感（喜怒哀樂）跟格式聯繫（樂理）的方式 5) 將創作流程分割 元件模組化，但也只是入門而已（怎麼組合A, B, Chorus, Bridge, 配器等等） 6) 隨時補充靈感 工作方式的強化技巧，但依然要樂理靈感，否則記錄很多靈感依然是過於簡單的東西 。 記譜基本功：即便數位時代，至少也要具備簡譜記譜能力：跟其他音樂人交流的共同 溝通語言 7) 環境改變引發靈感變動 Q: 但要有criteria，看到事情才知道如何激發（旅遊那麼多，但不知道古典音樂曲式、 樂器，也無法隨心所欲創作） 試著改變作息時間、吃飯、散步路線 8) 腦內作曲的習慣 看到景象或事件，透過想像力來建構音響（BGM背景音樂：覺得這樣的視覺效果應該要 是這樣的音樂效果） 腦>>手>>樂器>>樂器發聲>>喇叭回傳>>思考>>修改 各階段有不同重點，都有價值，但最不可或缺的是大腦 貝多芬聽不到：依然能創作 樂器不好：依然能創作 大腦靈感只是最粗略的說法：解釋給一般人沒問題，但是以此為專業就要尋求更詳細 的工具，樂器、理論、演奏技巧等等 9) 日常音樂情報分析 配樂、廣告、噪音、環境音等都有各自結構、各自音型：三人行必有我師 10) 健全均衡的音樂鑑賞 Healthy music recipe: 聽什麼就寫什麼 1. 強迫自己：古今中外的古典名曲、各領域名曲（經典教科書） 我們今天一切都是師承前人的，樂器是先人創造的 2. 業界標竿：世界冠軍排行榜hit（文獻回顧、市場趨勢調查） 流行音樂領域當然要知道這個市場的觀眾喜歡什麼，龍頭的水準 i. 美國Billboard 1. 取樣至少是美國市場兩億人口的偏好 2. 去認識硬體、旋律、音型 3. 被喜愛的理由是什麼？（行銷、包裝、音樂本身） 4. 自行歸納音樂類型與風格 R&B, rap, EDM, rock, etc ii. 不同國家的排行榜：US, UK, EU, JP, KOR, PRC, TW, etc 1. 美國饒舌、視覺衝擊 2. 英國根源，復古音色TS808 3. 韓國男孩團體 4. 日本少女團體、男孩團體、樂團 5. 台灣慢歌 -- 心態與勉勵 練習與決心的投入：決定能否成為音樂人。 踏實的投機：要將時間、金錢等各種成本投資到最有回報的地方 四種旋律進行 上行：明亮爽朗 下行：哀愁 平行：Lady GaGa – Poker Face / Sorry Sorry 上下：容易忘記、沒個性，但最有情緒表現力 如何放到歌曲各個段落？ A段鋪陳、B段轉折、Chorus高潮、D段過門 搭配大小調的效果？ 世界觀的構建 腦中構想完整的場景、情境、人物、心情、環境、事物、溫度、天氣、氣味 如何將聽眾拉到這個世界裡 樂手作曲與歌手互動 不要拿辦不到的曲子給歌手 風格不適合、音域不夠 轉調、重新編音域內的旋律 先與歌手互動：吃飯、閒聊、甚至上音樂課，了解歌手內心 如何讓歌手在錄音室能放鬆心情錄音，不要緊張 如何引導、說故事、找出修正點 編曲二三事 新的是編曲：舊旋律，可以很新；新旋律，也能很舊 編曲比作曲更強調理性，更有規則存在 厲害的編曲不用5x很多軌，真正優秀的精華20幾軌就好了。 編曲功力：同樣節奏，不同音色就是不同層次。 從編曲到交給混音：混音師會動，就代表他覺得編曲有問題 混音也是一種創作：把80分提昇到100分的魔法 乾音軌分別聽很糟，放在一起卻剛剛好 作曲有混音知識能提昇創作品質（安排的樂器頻率不要打架） 挑音色時不要太烈，因為混音能強化卻無法逆轉（overdrive / dsitortion） 四人樂團吉他只有一把卻很滿：錄音室疊出來的 創作、定型的問題：既有模式就能賺大把鈔票，那還需要創新求變嗎？ SoundCloud上很多新嘗試，台灣還要等很久 加強厚度的一種方式 高低頻不夠，不是用樂器的部件去加強，而是新增一軌100-200的synth bass或pad： 要的是頻率，不是樂器 除了音樂技術細節 今天印象最深刻的應該就是兩位老師對「學習」與「努力」的強調吧 不斷精進、學習、努力，這的確是相當重要的態度，在兩位老師上印證這點很開心。 要不是人在台中我也好想來這邊上課>_< 以上一些心得和大家分享 希望自己能做出越來越好聽的音樂！ https://soundcloud.com/eterkiz --

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