去听了阿沁老师的创作讲座 把心得简单整理一下跟大家分享： 流行音乐九大专业领域 1. 作词/曲人 2. 编曲人 台湾习惯与作曲分别？主旋律以外所添加的配器等等 3. 录音、混音、後期制作 工程师属性钻研和声学、频率，也需要培养美感、了解歌手属性 4. 制作人、配唱制作人 电影导演不需要什麽都会，但懂得招集人才：为何专业人要听他的？因为他的概念吸引人 5. 专业乐手 Technical skills, session players具备武士道精神，如高龄鼓手维持每天健康运动 6. 文案企划 唱片、演唱会的企划，用文字来包装（作词人的拓展） 7. 演唱会制作团队（灯光、舞台、视讯等） 8. 歌手 9. 经纪人 有了演艺人才，谁来引向市场 -- 十大创作习惯的培养 1) 善用零碎空隙时间 Q: 很多x, y, z不同属性、不同风格、不同桥段：那麽要怎麽组合？如A段铺陈、B段要放 什麽？有了积木，怎麽组合？ 用量变带来质变：至少有更多弹药能用、更多潜能 换个方式让生活更新鲜，激发灵感 Q: 但要有criteria，看到事情才知道如何激发（如旅游那麽多国家，但不知道古典音乐 曲式、乐器，也无法随心所欲创作） 的确不需要一次把歌写完：累积的素材够多，能堆砌的形状也更多（筛选组合又是一门学 问） 2) 长期作曲体质：靠灵感，也要靠刻意深耕，不能心情好才写歌 面临职场工作，经常面临强迫在短时间有产出 Q: 大量生产，粗支滥造的风险？ 3) 作曲者听觉习惯改变：用不同乐器来激发灵感 不要给自己太大压力：吉他速弹要bpm 200才有资格创作 史前人类没有乐器就懂创作了。 真正的创作：不要被器具限制（参照明和乐器，蓝人） 同样乐器也有不同操作方式 当然具备深厚乐理会更强（theory as most of time necessary, but not sufficient） 4) 好奇心：be foolish, be hungry to everything 音乐系学生每天都会练习乐器这很正常；创作人的练习来自观察整个世界：教材、琴 谱、乐器以外事事皆学习对象：运动、料理、民俗节庆、建筑等等 找到自己情感（喜怒哀乐）跟格式联系（乐理）的方式 5) 将创作流程分割 元件模组化，但也只是入门而已（怎麽组合A, B, Chorus, Bridge, 配器等等） 6) 随时补充灵感 工作方式的强化技巧，但依然要乐理灵感，否则记录很多灵感依然是过於简单的东西 。 记谱基本功：即便数位时代，至少也要具备简谱记谱能力：跟其他音乐人交流的共同 沟通语言 7) 环境改变引发灵感变动 Q: 但要有criteria，看到事情才知道如何激发（旅游那麽多，但不知道古典音乐曲式、 乐器，也无法随心所欲创作） 试着改变作息时间、吃饭、散步路线 8) 脑内作曲的习惯 看到景象或事件，透过想像力来建构音响（BGM背景音乐：觉得这样的视觉效果应该要 是这样的音乐效果） 脑>>手>>乐器>>乐器发声>>喇叭回传>>思考>>修改 各阶段有不同重点，都有价值，但最不可或缺的是大脑 贝多芬听不到：依然能创作 乐器不好：依然能创作 大脑灵感只是最粗略的说法：解释给一般人没问题，但是以此为专业就要寻求更详细 的工具，乐器、理论、演奏技巧等等 9) 日常音乐情报分析 配乐、广告、噪音、环境音等都有各自结构、各自音型：三人行必有我师 10) 健全均衡的音乐监赏 Healthy music recipe: 听什麽就写什麽 1. 强迫自己：古今中外的古典名曲、各领域名曲（经典教科书） 我们今天一切都是师承前人的，乐器是先人创造的 2. 业界标竿：世界冠军排行榜hit（文献回顾、市场趋势调查） 流行音乐领域当然要知道这个市场的观众喜欢什麽，龙头的水准 i. 美国Billboard 1. 取样至少是美国市场两亿人口的偏好 2. 去认识硬体、旋律、音型 3. 被喜爱的理由是什麽？（行销、包装、音乐本身） 4. 自行归纳音乐类型与风格 R&B, rap, EDM, rock, etc ii. 不同国家的排行榜：US, UK, EU, JP, KOR, PRC, TW, etc 1. 美国饶舌、视觉冲击 2. 英国根源，复古音色TS808 3. 韩国男孩团体 4. 日本少女团体、男孩团体、乐团 5. 台湾慢歌 -- 心态与勉励 练习与决心的投入：决定能否成为音乐人。 踏实的投机：要将时间、金钱等各种成本投资到最有回报的地方 四种旋律进行 上行：明亮爽朗 下行：哀愁 平行：Lady GaGa – Poker Face / Sorry Sorry 上下：容易忘记、没个性，但最有情绪表现力 如何放到歌曲各个段落？ A段铺陈、B段转折、Chorus高潮、D段过门 搭配大小调的效果？ 世界观的构建 脑中构想完整的场景、情境、人物、心情、环境、事物、温度、天气、气味 如何将听众拉到这个世界里 乐手作曲与歌手互动 不要拿办不到的曲子给歌手 风格不适合、音域不够 转调、重新编音域内的旋律 先与歌手互动：吃饭、闲聊、甚至上音乐课，了解歌手内心 如何让歌手在录音室能放松心情录音，不要紧张 如何引导、说故事、找出修正点 编曲二三事 新的是编曲：旧旋律，可以很新；新旋律，也能很旧 编曲比作曲更强调理性，更有规则存在 厉害的编曲不用5x很多轨，真正优秀的精华20几轨就好了。 编曲功力：同样节奏，不同音色就是不同层次。 从编曲到交给混音：混音师会动，就代表他觉得编曲有问题 混音也是一种创作：把80分提昇到100分的魔法 乾音轨分别听很糟，放在一起却刚刚好 作曲有混音知识能提昇创作品质（安排的乐器频率不要打架） 挑音色时不要太烈，因为混音能强化却无法逆转（overdrive / dsitortion） 四人乐团吉他只有一把却很满：录音室叠出来的 创作、定型的问题：既有模式就能赚大把钞票，那还需要创新求变吗？ SoundCloud上很多新尝试，台湾还要等很久 加强厚度的一种方式 高低频不够，不是用乐器的部件去加强，而是新增一轨100-200的synth bass或pad： 要的是频率，不是乐器 除了音乐技术细节 今天印象最深刻的应该就是两位老师对「学习」与「努力」的强调吧 不断精进、学习、努力，这的确是相当重要的态度，在两位老师上印证这点很开心。 要不是人在台中我也好想来这边上课>_< 以上一些心得和大家分享 希望自己能做出越来越好听的音乐！ https://soundcloud.com/eterkiz --

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