※ 引述《james20387 (七楼是我的好朋友)》之铭言： 原文恕删。 这一两年稍微接触了一点音乐研究所作曲组老师的教学(注1)，对於原PO跟 推文有一点小小的看法。 他常常提到compose是什麽，是"组织"。作曲家是组织有听觉性的材料、素 材，经过许多创作的思维来完成音乐，作曲家并不是发明家。二十世纪音乐 的剧变是来自"发明"新素材，或是带入其它原本不属於音乐的观点，像是一些哲 理、数学、建筑blabla什麽的，而这类音乐就小弟我的看法，仍属於"实验" 阶段。合成音色的出现，我想也是因为人们对於音色有着更大的需求，音乐 的演化往往是人们在听觉上需要更大的刺激，只是科技发展下，素材的发明 突然爆增，音乐家还不懂得如何去运用新元素，而过多的素材造成音乐创作 上的迷失原PO已经提到了。 既然原PO知道音乐发展从单织体慢慢演化，那应该也知道现在音乐"教学"的 "和声学"是一种整理出来的"结果"。我觉得拿和声学去审视那些作曲家是 否"遵守"，个人觉得是不恰当。顶多是和声学去"验证"贝多芬或是用贝多芬 去"验证"和声学。因为教学的便利上(由其是对初学者)，需要有所谓的"规则"、 "准则"、"教条"、"norm "，让人可以去遵循进而学习。 但学习到一阵子， 我觉得更重要的是去理解这些准则存在、或是被"制定"(个人不喜欢这种说法 )的原因。 16世纪很多音乐在一开头跟结尾，就没有三音的出现阿，那这样是要说那时候 的音乐不成熟吗？应该是去理解为何没三音、为何省略某个音。 之前一两个月，在拜读巴哈的平均律上册(注2)，在其中就发现许多很大胆的 和声使用、不和谐音的使用，但其不和谐音并非毫无来由的出现，而从此又 可以更深入的看见对位与和声的关系，又可以去理解"和声是对位下的产物"。 其中大七和弦转位(如果硬是以现代和声学角度去看)，用的如此多，但我想， 并不是major 7的概念，而是在对位下为了增加曲子的张力，而必然存在的和 声效果(像是延迟解决、延留音、挂留音、持续主属低音等)。 所以当时就有sus的声响，只是古典音乐家并不叫这个为一个和弦，而sus的 出现必然要解决，而现代音乐，则是不解决(注3)，而我认为，这表示和声 的演进为一脉连续的，并不像是打破"规则"或是教科书的"教条"，而演进 则是来自人们对新声音的需求、或是其它的声响变化需求，是有原因的产生 ，而非突然迸出来，所以我觉得用打破并不太适当，浪漫派的声音是巴哈 的"再延续"，而非破坏。当然我想，还是存在着破坏性的声音(注4)。 所以，我觉得理解根本的原因，会比讨论所谓的"和声规则"更有意义。理解原 因才能更自由的去运用和声，巴哈有些作品甚至比萧邦更浪漫。 对於推文，其实我不赞同"和声学不过是用来分析"古典时期"的音乐"的观点。 更准确说，透过学习基本的和声学，可分析作品，再进而借由分析作品去学习 和声如合产生。巴哈平均律第一首C大调前奏曲，即是完全无独立的五声部， 我想大部的人都是学习四声部吧，我觉得用规则检视会太过僵化，而重要的 是，这些规则却是来自於听觉上，所以可以允许平行三度而不允许平行五度 ，但用"允许"两个字就有些许瑕疵，因为平五"在听觉上"本身就是有强烈的 空洞感，并不是因为"不允许"，所以才有空洞感。和声学最主要是用理性去 理解感性，然後"控制"感觉。 而最近在音研所教授所开的课中，老师常提到对於学习和声过於垂直"僵化"， 这或许跟台湾爱考试、讲求标准答案有关。对於推文提到"完全照和声学写出来 的乐曲，你100%会写出古典乐派音乐"(注5)，个人觉得也是太过於强调"结果性"的"规 则"。以爵士乐来看，基本架构上也是属於古典和声，而爵士和声则是"再延伸"， 二四六音也还是属於不和谐，爵士仍然叫它们tension note(紧张的音)，而 常出现的alter chord(五音有变化的属和弦)，古典乐也是有出现这样的声响， 只是他们不把这个叫做一个和弦，可是当理解这种声响为何出现，它有没有被命 名、或是在哪个时期出现，其实就变得没那麽的重要了。 所以，对於new age和声，我也认为是古典和声学的再延伸。 推文又有提到"大师只回说：你乐理很好,可是我不知道你说的和弦"(好像都是 musicersho的推文XD)，是存在着本身感受力就强过於人的人，但这种毕竟是 少数，这也牵涉到耳朵听觉的问题(跑到注6)，但听力又可以藉由音乐学习而训 练。很多爵士老师都强调和弦的学习。 当然我也认为感受度是很重要的，只是在於教学上，这确实是很难的一环，你的 感受，跟我的感受，一定不一样，有人感受强，有人感受弱，感受叫弱的人就不 能成为伟大的音乐家吗？我常听到几位老师以莫札特跟贝多芬来比，一个是旋律 性强，一个是结构性强。前者是很明显是来自於天才般的感受力，而後者的创作 则是反覆磨出来。 而音乐欣赏、聆赏的部分，我觉得，现在每个人的背景都差异蛮大，自然而 然会有听觉上的认知的不同，同样一个作品有人喜欢、有人不喜欢，你无法说 究竟谁对谁错，而由於现在的音乐类型太过多元，有时候会导致听觉上的麻 痹，没接受过音乐训练的人的耳朵通常是闭着的(注6)。 本来要找到对於自己的作品有强烈共鸣的人就是可遇不可求的，但我想这并不对於 理论、技术的学习上应该抱持着问号，发自内心的情感很重要，写作技术的磨练上 一样也很重要阿。 我想最根本的(同时也是最官腔)结论，原PO在推文已经叙述过了。 近几年小弟一点点的浅见，大家共勉之。 注1: 小弟本身是理工科，碰巧学校硕班的教授在大学部开音乐创作相关课 程，才有幸学习且与教授认识，这一学期则以大学部学生身分修习研 究所风格写作课程。 注2: 分析谱上的和声、曲式结构，几乎只是用读谱、而非弹奏，所以用"拜 读"字眼。 注3: 通常是五级sus4和弦，解决为五级和弦，若是不解决则不产生极不稳 定、有趋向性的导音。现代人常常会喜欢这类中性、不刺激的声响。 注4: 德布西的印象派声音即是如此，个人认为，德布西是挖掘了和弦本身 就存在的非功能性、色彩性。 注5: Muse也常常是使用古典和声、对位阿，其造就了比一般摇滚乐有更细 腻的和声(当然也是有搭配许多配器的编曲)。很多乐团，为了增加作 品的丰富度，也借镜了古典乐的概念，我想，古典和声的"再延续"是 很重要的。音乐应该是要一脉传承的。这也是为什麽巴哈比韩德尔更 能得被後世冠上音乐之父的称号。 注6: 曾听过一例子，国外音乐学校的学生，某课堂上，在普通的作品与稍有 深度的作品表演结束後，呈现一样的反应，该课的老师怀疑，较深度的 作品里应有更大的回响，是否是现代的环境下，学生的耳朵不被训练。 --

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